El arte viene en muchas formas, está sujeta a la invención de la mente humana y su recursividad para crear y construir ideas de la nada. Claro, hoy en día, en la era digital donde muchas ideas se consideran ‘recicladas‘ sirven para complementar una idea nueva o ingeniar una secuela. 

Con el arte vino el entretenimiento y  de este partieron muchas raíces con el fin de divertir y crear emociones en las personas. Hoy tenemos videojuegos, servicios de streaming, novelas, cómics, un sin número de géneros de películas y series. Pero antes que había para divertirse y no nos referimos hace unas cuantas décadas, nos referimos al período de la mente, del raciocinio y de la creación original de ideas. 

Es allí, en esos tiempos olvidados, perdidos en los siglos que recordamos el teatro, el drama, la actuación y la historia de construir una narrativa con el fin de entretener a otros, a los primeros espectadores. 

Con el teatro surgió la risa, la excitación, la ansiedad de descubrir que iba a suceder, pero ¿quiénes fueron los dramaturgos que esparcieron estas emociones?

Si no los conoces, te los presentamos a continuación:

Esquilo, Eurípides, Sófocles, Tespis

Esquilo (525-456 a.C.). A él se le atribuye la introducción del segundo actor, la contraparte para crear un giro y un mayor conflicto dramático. Entre su obra más conocida está La Orestíada. 

Eurípides (484-406 a.C.). El responsable de dar al personaje un enfoque más humanista y psicológico, esto se pudo apreciar sus obras Medea y Las troyanas. 

Sófocles (496-406 a.C.). Se convirtió en aquel que introdujo al tercer actor, el perfeccionista que mejoró la estructura de la tragedia, siendo Edipo Rey la obra que lo inmortalizó.

Tespis (Siglo VI a.C.). Es considerado como el inventor de la tragedia y el primer actor en combinar el diálogo con el coro.

Se preguntarán dónde está Shakespeare, aunque también es una figura inmortal del teatro, su periodo es muchos siglos después de Tespis, Esquilo, Sófocles y Eurípides, por lo que no está presente.

El teatro en Ecuador ha tomado mucha fuerza, pero necesita más atención de los ciudadanos, pero todavía hay muchas historias que ameritan ser contadas en un escenario teatral.

El 25 de noviembre de 1886 en Quito, se inauguró el Teatro Nacional Sucre, esta edificación fue considerada como uno de los primeros y más simbólicos teatros formales de Ecuador. Su construcción fue ordenada por el presidente Ignacio de Veintimilla. 

Teatro Nacional Sucre a finales del siglo XIX

Diseñado con un gran escenario propio para óperas y zarzuelas, el Teatro Sucre se creó para convertirse en el pilar de la cultura nacional, mismo que se ubicó en la Plaza del Teatro, en el centro histórico de Quito. 

Su diseño arquitectónico fue dirigido por Francisco Schmit, un arquitecto alemán quien seguía las directrices de la iniciativa de la sociedad La Civilización. La construcción del teatro se realizó entre 1879 y 1886.

La inauguración del Teatro Nacional Sucre marcó un hito histórico para la vida artística del país de finales del siglo XIX. 

Tras su apertura, el Teatro Nacional Sucre perduró durante conflictos sociales y revoluciones, estos eventos hicieron que sea restaurado varias ocasiones y sus intervenciones más importantes se realizaron en 1948-1952 y en 1998-2003.

Hoy en día, después de casi 140 años, el Teatro Nacional Sucre continúa siendo un emblema de las artes escénicas de la ciudad, y su Fundación Teatro Sucre gestiona varios de los festivales más importantes de la capital, estos incluyen el Festival de Música Sacra y el Quito Jazz Fest entre otros eventos que cuentan con la participación de artistas internacionales. 

El amor y viaje a través de lo corporal y lo absurdo:

Las historias de amor empiezan siempre con un encuentro de miradas compartidas, acercamientos tímidos, y sonrisas que conectan y trascienden lo físico, para luego evolucionar a la fascinación: ese cosquilleo interno durante las primeras conversaciones y los paseos tomados de la mano, o las risas cómplices después de compartir alguna anécdota irrisoria. Es en ese momento donde todo lo que ves, escuchas y sientes pasa a través de un cristal polarizado, que impide notar cualquier imperfección del otro y que va alimentando la idea de amor idílico que empieza a crecer dentro de sus protagonistas.

Yanet Gómez y Martín Peña Foto: Instagram

En la obra “Luna de Miel, Lotra de Sal”, se narra la historia entre Lola y Berni, dos personajes que, desde el momento en que coinciden en escena, emprenden un viaje donde experimentan ilusión, conexión, deseo, y pasión, es decir, el inicio de la luna de miel.

Lola y Berni ignoraban que pronto ese momento dulce se iria tornando en algo cargado de dificultados. Las rutinas, recriminaciones, responsabilidades y falsas expectativas, van empañando aquellos cristales “inmaculados” que alguna vez existieron, mostrando las fisuras que, de adentro hacia afuera, develan aspectos que lejos de ser románticos, se convierten en una crónica de muerte (conyugal) anunciada. Al final Lola y Berni trascienden y con ellos…. ¿su amor?

Dentro de toda este cúmulo de emociones y situaciones —dibujadas entre lo caricaturesco y lo absurdo— su creador, director, protagonista, Martín Peña junto a su gran dupla Yanet Gómez, logran contrastar el “antes, durante y después” del matrimonio. La obra retrata cómo los conflictos mentales y emocionales que junto a los resentimientos y las ilusiones frustradas de sus protagonistas van consumiendo la luna de miel, transformándola en “sal”, como sugiere el título. Esta pieza funciona casi como un espejo que nos confronta con lo que muchas parejas viven pero pocas verbalizan, y permite identificarnos sin moralizar.

Más allá del mensaje narrativo, habla lo visual y cororal:

El texto no dicta el ritmo de la obra, más bien aparece como acompañamiento. La historia se cuenta principalmente a través del cuerpo: gestos, miradas, la plasticidad del movimiento y los silencios construyen un lenguaje propio, donde lo absurdo y lo simbólico se entrelazan.

La precisión física y la fuerza del mimo corporal dramático, técnica que Peña y Gómez han perfeccionado a lo largo de los años, y la presentan en Luna de Miel… Lotra de Sal, demuestran que la narrativa física puede ser tan profunda, conmovedora y poética como cualquier palabra escrita.

La expresividad corporal está acompañada por una escenografía sobria. Objetos simbólicos como sombreros, maletas, un paraguas y una silla va más de ser utilería, son metáforas del peso emocional y del equipaje interno que cada uno lleva. Cada elemento tiene un propósito, cada gesto, un peso y es complementado junto con la luz, la sombra, la música.

La obra “Luna de Miel… Lotra de Sal”, de la compañía Teatro del Cielo —fundada en 2004 por Martín Peña y Yanet Gómez—, ha recorrido festivales en más de 20 países alrededor del mundo, evolucionando con cada presentación y consolidándose como una de las principales compañías latinoamericanas referentes del Mimo Corporal Dramático.