El 25 de noviembre de 1886 en Quito, se inauguró el Teatro Nacional Sucre, esta edificación fue considerada como uno de los primeros y más simbólicos teatros formales de Ecuador. Su construcción fue ordenada por el presidente Ignacio de Veintimilla. 

Teatro Nacional Sucre a finales del siglo XIX

Diseñado con un gran escenario propio para óperas y zarzuelas, el Teatro Sucre se creó para convertirse en el pilar de la cultura nacional, mismo que se ubicó en la Plaza del Teatro, en el centro histórico de Quito. 

Su diseño arquitectónico fue dirigido por Francisco Schmit, un arquitecto alemán quien seguía las directrices de la iniciativa de la sociedad La Civilización. La construcción del teatro se realizó entre 1879 y 1886.

La inauguración del Teatro Nacional Sucre marcó un hito histórico para la vida artística del país de finales del siglo XIX. 

Tras su apertura, el Teatro Nacional Sucre perduró durante conflictos sociales y revoluciones, estos eventos hicieron que sea restaurado varias ocasiones y sus intervenciones más importantes se realizaron en 1948-1952 y en 1998-2003.

Hoy en día, después de casi 140 años, el Teatro Nacional Sucre continúa siendo un emblema de las artes escénicas de la ciudad, y su Fundación Teatro Sucre gestiona varios de los festivales más importantes de la capital, estos incluyen el Festival de Música Sacra y el Quito Jazz Fest entre otros eventos que cuentan con la participación de artistas internacionales. 

El amor y viaje a través de lo corporal y lo absurdo:

Las historias de amor empiezan siempre con un encuentro de miradas compartidas, acercamientos tímidos, y sonrisas que conectan y trascienden lo físico, para luego evolucionar a la fascinación: ese cosquilleo interno durante las primeras conversaciones y los paseos tomados de la mano, o las risas cómplices después de compartir alguna anécdota irrisoria. Es en ese momento donde todo lo que ves, escuchas y sientes pasa a través de un cristal polarizado, que impide notar cualquier imperfección del otro y que va alimentando la idea de amor idílico que empieza a crecer dentro de sus protagonistas.

Yanet Gómez y Martín Peña Foto: Instagram

En la obra “Luna de Miel, Lotra de Sal”, se narra la historia entre Lola y Berni, dos personajes que, desde el momento en que coinciden en escena, emprenden un viaje donde experimentan ilusión, conexión, deseo, y pasión, es decir, el inicio de la luna de miel.

Lola y Berni ignoraban que pronto ese momento dulce se iria tornando en algo cargado de dificultados. Las rutinas, recriminaciones, responsabilidades y falsas expectativas, van empañando aquellos cristales “inmaculados” que alguna vez existieron, mostrando las fisuras que, de adentro hacia afuera, develan aspectos que lejos de ser románticos, se convierten en una crónica de muerte (conyugal) anunciada. Al final Lola y Berni trascienden y con ellos…. ¿su amor?

Dentro de toda este cúmulo de emociones y situaciones —dibujadas entre lo caricaturesco y lo absurdo— su creador, director, protagonista, Martín Peña junto a su gran dupla Yanet Gómez, logran contrastar el “antes, durante y después” del matrimonio. La obra retrata cómo los conflictos mentales y emocionales que junto a los resentimientos y las ilusiones frustradas de sus protagonistas van consumiendo la luna de miel, transformándola en “sal”, como sugiere el título. Esta pieza funciona casi como un espejo que nos confronta con lo que muchas parejas viven pero pocas verbalizan, y permite identificarnos sin moralizar.

Más allá del mensaje narrativo, habla lo visual y cororal:

El texto no dicta el ritmo de la obra, más bien aparece como acompañamiento. La historia se cuenta principalmente a través del cuerpo: gestos, miradas, la plasticidad del movimiento y los silencios construyen un lenguaje propio, donde lo absurdo y lo simbólico se entrelazan.

La precisión física y la fuerza del mimo corporal dramático, técnica que Peña y Gómez han perfeccionado a lo largo de los años, y la presentan en Luna de Miel… Lotra de Sal, demuestran que la narrativa física puede ser tan profunda, conmovedora y poética como cualquier palabra escrita.

La expresividad corporal está acompañada por una escenografía sobria. Objetos simbólicos como sombreros, maletas, un paraguas y una silla va más de ser utilería, son metáforas del peso emocional y del equipaje interno que cada uno lleva. Cada elemento tiene un propósito, cada gesto, un peso y es complementado junto con la luz, la sombra, la música.

La obra “Luna de Miel… Lotra de Sal”, de la compañía Teatro del Cielo —fundada en 2004 por Martín Peña y Yanet Gómez—, ha recorrido festivales en más de 20 países alrededor del mundo, evolucionando con cada presentación y consolidándose como una de las principales compañías latinoamericanas referentes del Mimo Corporal Dramático.

Tuve la dicha de ser invitada a ver una obra de teatro infantil en La Bota, y sin saber de qué se trataría la historia, dejé que la casualidad me sorprenda, pero el encanto de esta historia superó mis expectativas. Una vez más, el teatro local me regala nuevas alegrías. Sin grandes pretensiones, fui testigo de un maravilloso trabajo teatral para los niños y la familia.

Chusa Ordoñez interpretando a Max, el ratoncito Pérez

Andrea “La Chusa” Ordoñez, actriz, escritora y directora de esta obra de teatro, nos contó que “La Verdadera Historia de Max, El Ratón Pérez” nació cuando una clínica dental le propuso desarrollar un cuento que involucre a dicho ratón acompañado de un fiel amigo; un personaje clave.

 “La única condición era que exista el Perrito Aldo, ya que esta clínica realmente cuenta con un perro terapia llamado así, quien se encarga de acompañar a los niños para darles tranquilidad y seguridad durante sus consultas”, nos cuenta Andrea.

La obra inicia cuando un perro labrador entra en escena tratando de encender y manejar su motocicleta imaginaria. Se trata de Aldo, quien va a visitar a su “amor platónico”, la perrita Chicoria. Este personaje es interpretado por el destacado actor de mimo corporal y teatro circense, David Saavedra. Durante toda la obra, el perrito Aldo se convierte en el narrador de la historia, mientras interactúa con los demás personajes.

La perrita Chicoria, hace su entrada a escena demostrando su evidente vanidad y aires de diva, ganándose las primeras risas del público, además de los suspiros del perrito Aldo. Chicoria, es la mascota de Eva, una niña que está próxima a perder su primer diente de leche. Ambos personajes son interpretados por el actor y titiritero Mike Santos.

El ratón Max y el perro Aldo en la sesión de fotos con el público

Pronto se une a la historia el Ratón Max, sin aun saber que al final se convertirá en el mítico ratón de los dientes. Chusa interpreta a este personaje en una versión más “criolla”, con una personalidad jocosa y vivaz, dando paso a momentos de improvisación, y a la participación del público infantil dentro de la obra. Una hazaña clave para el éxito de este montaje familiar.

Esta historia divertida y dinámica, nos llena de ensueños con un mensaje positivo y un final muy alentador, logrando transmitir aquello que su escritora esperaba.

Y es que, lo verdaderamente mágico de este tipo de puestas en escenas, totalmente llamativas para un público infantil, es la calidad del mensaje que se da. Poder explicar situaciones como la caída del primer diente o la importancia de la salud bucal a temprana edad, utilizando el teatro ES HACER LAS COSAS BIEN.

Chusa lo tiene claro cuando nos dice: “Esta etapa trascendente de los niños es sinónimo de crecer. Pueden sentirse feos o ser objeto de burla, en muchas ocasiones, pero la ilusión de creer que existe un ratón de los dientes, te ayuda a sobrellevar este proceso de crecimiento.”

“La Verdadera Historia de Max, El Ratón Pérez” estará todos los fines de semana en el teatro La Bota de Guayaquil durante el mes de marzo.